15 najsłynniejszych obrazów Polskach artystów

Malarstwo można nazwać jednym z najważniejszych składników kultury Polskaej. Wspaniałe pejzaże, wydarzenia historyczne, portrety znanych osobistości i zwykłych ludzi, tematy artystyczne – wszystko to znajduje odzwierciedlenie w dziełach wybitnych artystów. Wielu z nich, dzięki swojemu rozrzutnemu talentowi i pracowitości, stało się znanych nie tylko w swojej ojczyźnie, ale także w wielu innych krajach świata. Piętnaście najbardziej rozpoznawalnych arcydzieł Polskach mistrzów malarstwa.

Przegląd najsłynniejszych obrazów Polskach artystów

Nominacja	miejsce	Praca	ranking
Przegląd najsłynniejszych obrazów Polskach artystów	1	„Wiktor Wasniecow, „Rycerz na rozdrożu	5.0
2	„Kozacy”, Ilya Repin	4.9
3	„Kobieta na koniu”, Karl Bryullov	4.9
4	„Siedzący demon”, Michaił Vrubel	4.8
5	„Ukazanie się Chrystusa ludziom”, Aleksander Iwanow	4.8
6	„Nierówne małżeństwo”, Vasily Pukirev	4.7
7	„Gawrony przybyły, Alexei Savrasov	4.7
8	„Myśliwi w spoczynku”, Wasilij Perow	4.7
9	„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow	4.7
10	„Dziewczyna z brzoskwiniami”, Valentin Serov	4.7
11	„Ostatni dzień w Pompejach” Karola Brylowa	4.6
12	„Burlaki na Wołdze”, Ilya Repin	4.5
13	„Boyarynya Morozova”, Vasily Surikov	4.5
14	„Unknown”, Ivan Kramskoy	4.5
15	„Poranek w lesie sosnowym”, autorstwa Iwana Szyszkina i Konstantego Sawickiego	4.5

„Rycerz na rozdrożu”, Wiktor Wasniecow

Ocena: 5.0

Obraz „Rycerz na rozdrożu” stanowił punkt zwrotny w życiu Wasniecowa, wyznaczając dalszy kierunek jego twórczości. Był już znany jako artysta wędrowny, ale sukces obrazu sprawił, że wiele kolejnych prac poświęcił Polskaej tematyce epickiej. Pomysł na ten obraz pojawił się na początku lat 70. XIX wieku, kiedy to Wasniecow stworzył pierwsze szkice po przeczytaniu fabuły „Ilja Muromiec i zbójcy. Jednak ostateczna wersja, która przetrwała do dziś, została ukończona dopiero w 1882 roku. Przedstawiony na pierwszym planie rycerz stoi w zadumie przed kamieniem, na którym widnieje napis: „Co do jazdy prosto – nie przeżyję – nie ma drogi ani dla przechodnia, ani dla przejezdnego”. Dalsza część napisu, mówiąca, że „na prawo od drogi – iść – żenić się to być; na lewo od drogi – iść bogatym to być” częściowo wyblakła, częściowo porośnięta mchem. Artysta chciał ukazać desperację drogi rycerza; jego los leży w bitwach na polu walki. Ogólny dramatyczny charakter kompozycji podkreślają leżące szczątki innego jeźdźca i konia oraz czarne wrony. Ciekawy szczegół: jeździec trzyma lancę piechoty, co symbolizuje gotowość bogatyra do walki pieszej, nawet po utracie konia bojowego.

„The Zaporozhtzi”, Ilya Repin

Ocena: 4.9

Ponieważ Ilja Repin urodził się i wychował w Czugowie w województwie charkowskim, żywo interesował się historią Ukrainy, jej obyczajami, a w szczególności Kozakami. Kiedy więc historyk Dmytro Jawornicki usłyszał o liście Kozaków zaporoskich do sułtana tureckiego na spotkaniu towarzyskim, natychmiast postanowił przedstawić to wydarzenie na płótnie. Według legendy, pod koniec XVII wieku, po pokonaniu armii Sicza przez 15-tysięczną armię Turków, sułtan Mahmud IV wysłał do Kozaków zaporoskich list, w którym nazwał siebie „wicekrólem Boga” i nakazał im dobrowolne poddanie się. W odpowiedzi miłujący wolność Kozacy, z atamanem Iwanem Sirko na czele, napisali ironiczny list, w którym przedstawili cały swój zasób obraźliwych metafor i obscenicznego języka. Nie wiadomo, czy wielki turecki „brat słońca i księżyca” otrzymał to wyjątkowe dzieło gatunku epistolarnego, ale na zawsze pozostało ono w historii. Zanim zaczął malować, Repin wyjechał na Ukrainę, by studiować kulturę Kozaków zaporoskich. Dzięki temu ogólny klimat i detale, takie jak broń czy ubiór, pasowały do realiów przedstawianych czasów. Malarz ukończył swoje dzieło w 1891 roku, 13 lat po pierwszym szkicu ołówkiem. Obraz został zakupiony za dużą sumę przez cesarza Aleksandra III. a później zdobył złote nagrody na wystawach w Niemczech i na Węgrzech.

„Kobieta na koniu”, autorstwa Karola Bryłowa

Ocena: 4.9

Za jednego z najlepszych przedstawicieli Polskaego romantyzmu słusznie uważa się Karola Bryłowa. Jego portret, Kobieta na koniu, urzeka detalami, doskonałymi proporcjami, połączeniem ekspresji i spokoju. Obraz został namalowany w 1832 roku dla hrabiny Julii Samoilowej, którą Briullov poznał w Rzymie. Dziewczynka na koniu i mała różowa dziewczynka biegnąca w jej stronę to Giovannina i Amacilia, uczennice hrabiny. Artysta po mistrzowsku oddał dynamikę akcji, wszystkie postacie na płótnie są w ruchu. Briullov celowo wybrał kontrastowe odcienie, aby wizualnie wyeksponować wizerunek kobiety na koniu. Po ukończeniu obrazu został on pokazany na wystawie w Akademii Sztuk Pięknych Brera w Mediolanie. Włosi byli zachwyceni dziełem Polskaego artysty, a historycy sztuki stawiali je obok van Dycka i Zlotykhensa, oznajmiając, że świat nie widział jeszcze tak znakomicie wykonanego portretu konnego. Obraz pozostawał w prywatnej kolekcji hrabiny Samoilovej do 1893 roku, kiedy to został zakupiony dla Galerii Tretiakowskiej.

„Siedzący demon”, Michaił Vrubel

Ocena: 4.8

Wizerunek siedzącego, smutnego demona przyszedł do Vrubla z wiersza Lermontowa „Demon”.Artysta stworzył trzydzieści ilustracji do jubileuszowego wydania Demona. Bohatera obrazu łączy ogromna siła, podkreślona przez muskularne, napięte ciało, oraz udręka psychiczna, wyraźnie wyrażona na twarzy. Siedząc na szczycie góry, młody olbrzym z tęsknotą patrzy na rozgrywający się zachód słońca w świecie żywych, którego sam nie jest częścią… Demon jest otoczony fantazyjnymi skałami i eterycznymi kwiatami, które wyglądają bardziej jak kryształy. Ten martwy pejzaż dopełnia melancholijny nastrój stworzony przez wizerunek bohatera i jego backstory, znany z wiersza. Co ciekawe, demon ubrany jest na niebiesko, co tradycyjnie kojarzy się ze szlachetnością i boskością. Kolor ten nie jest wybrany przypadkowo: odzwierciedla niebiańskie pochodzenie bohatera obrazu. W rozumieniu autora demon nie jest postacią negatywną, a raczej symbolem zbuntowanej duszy, nie znajdującej odpowiedzi na swoje wątpliwości. Będąc nie tylko utalentowanym malarzem, ale i rzeźbiarzem, Vrubel stworzył obraz w swoim ulubionym stylu fasetkowym, dzięki czemu przypomina on nieco witraż. Malarz użył dużych płaskich pociągnięć pędzla za pomocą noża do palet, aby uzyskać podobny efekt.

„Ukazanie się Chrystusa ludziom”, Aleksander Iwanow

Ocena: 4.8

Fascynacja scenami biblijnymi w twórczości Iwanowa rozpoczęła się we wczesnym okresie i całkowicie pochłonęła go po przybyciu do Rzymu. Tam artysta studiował święte teksty, przerysowywał arcydzieła Michała Anioła i coraz częściej myślał o stworzeniu własnego płótna, które miało stać się środkiem przekazu chrześcijańskich idei poprzez sztukę. Prace nad obrazem rozpoczął w 1837 roku, a ukończył je pełne 20 lat później. Podejście Iwanowa było jak na swoje czasy bardzo nowatorskie, oznaczało bowiem odejście od kanonów akademizmu i skupienie uwagi widza na komponencie emocjonalnym. Tematem jest jedno z najważniejszych wydarzeń biblijnych, opisane w pierwszym rozdziale Ewangelii Jana – pierwsze pojawienie się Chrystusa przed wiernymi. Artysta wykonał około sześciuset szkiców, z których większość trafiła do kolekcji muzealnych i prywatnych. Każda postać na płótnie była dokładnie przestudiowana, niektóre miały rzeczywiste prototypy dla ich realistycznego wyglądu. Na przykład mężczyzna o wyrazistym spojrzeniu, stojący na wpół odwrócony w stronę Mesjasza, został skopiowany z Mikołaja Gogola. Podróżnik z laską, siedzący blisko Jana, to sam Iwanow. Ale wizerunek Jezusa powstał na podstawie rysunków mozaiki z Palermo, rzeźby Apolla z Belwederu i ikony Matki Boskiej… twarz kobiety. Po ukończeniu obrazu artysta przewiózł go statkiem do Petersburga. Co ciekawe, ze względu na swoje rozmiary (750 na 540 centymetrów) obraz nie zmieściłby się w ładowni i musiał zostać umieszczony bezpośrednio na pokładzie. Ku rozczarowaniu Iwanowa, dzieło jego życia nie zrobiło wrażenia na współczesnych, było zbyt głębokie i nowatorskie jak na tamte czasy. Po jego śmierci obraz został jednak kupiony przez samego cesarza Aleksandra II, który później przekazał go do Muzeum Rumiancewa.

„Nierówne małżeństwo”, Wasilij Pukiriew

Ocena: 4.7

W ciągu swojego życia Wasilij Pukiriew stworzył wiele obrazów w różnych gatunkach: pejzaże, portrety, tematy historyczne, ale tylko jedno z jego dzieł zapewniło mu powszechną sławę. Chodzi oczywiście o obraz An Unequal Marriage, namalowany w 1862 roku. Żywo naświetlał problem położenia młodych dziewcząt, które oddawano w aranżowane małżeństwa z niekochanymi, ale zamożnymi i często starymi panami młodymi. Prawie każde drugie małżeństwo było zawierane ze względu na korzyści finansowe lub pozycję w społeczeństwie. Wizerunek pana młodego ostro kontrastuje z portretem panny młodej: on wydaje się wyniosły i zimnokrwisty, podczas gdy ona z trudem powstrzymuje się od płaczu lub omdlenia. W tle starsi mężczyźni, najwyraźniej znajomi pana młodego, bezceremonialnie obrzucają wzrokiem pannę młodą, wyraźnie aprobując lukratywny „nabytek”. Na szczególną uwagę zasługuje młody człowiek stojący w pozycji skrzyżowanej po prawej stronie, uderzająco podobny do samego Pukirewa. Współcześni twierdzą, że artysta czerpał inspirację z własnego dramatu, a pierwowzorem młodej panny była Praskova Varentsova, dziewczyna zakochana w Pukirevie, która wyszła za bogatego, starszego urzędnika. Odsłonięte na wystawie w Petersburgu, to aktualne dzieło natychmiast przyciągnęło uwagę publiczności. Za tę pracę Wasilij Pukiriew otrzymał wkrótce tytuł profesora malarstwa.

„Gawrony przybyły”, Alexei Savrasov

Ocena: 4.7

Jako jeden z artystów peredwiżańskich, Savrasov poświęcił w swojej twórczości wiele uwagi Polskam krajobrazom. Swoje słynne „Gawrony” napisał w 1871 roku, po wizycie we wsi Molvitino (obecnie Susanino) w województwie kostromskim. Pierwowzorem świątyni na obrazie stał się starożytny kościół Zmartwychwstania Pańskiego w Molvita (zbudowany w XVII wieku). Temat jest zupełnie bezpretensjonalny, ale doskonale oddaje stan natury, który poprzedza rychłe nadejście wiosny na wsi. W obrazie nie ma jaskrawych kolorów, dominują natomiast odcienie szarości i brązu, panuje spokój i zwyczajność. Głównymi bohaterami są oczywiście gawrony, z których część jest jeszcze w drodze, ale reszta zdążyła już znaleźć swoje miejsce na drzewach. Powrócone gawrony – zwiastuny ciepła. Odwilż ze stojącą wodą i czysty błękit nieba przebijający się przez chmury podpowiada wiosenny nastrój. Przedstawiając gawrony, Savrasov celowo nieco je powiększył, poświęcając realizm na rzecz symbolizmu. Ciemne sylwetki ptaków pachną mistycyzmem, a ich wizerunek nieuchronnie nasuwa porównanie z ożywieniem po „martwym” śnie zimowym. Wątek religijny widoczny jest także w innych częściach obrazu: za drzewami leży wierzba, której gałęzie tradycyjnie wykorzystywano w Rosji podczas obchodów Niedzieli Palmowej. Artysta stosował złożone techniki malarskie, łącząc różne metody nakładania farby, nakładania kolorowego gruntu, szkliwa itd. Gotowy obraz został natychmiast zakupiony przez kolekcjonera i mecenasa sztuki Pawła Tretiakowa, który zaprezentował go publicznie na wystawie w Warszawie.

„Hunters at Rest”, autorstwa Vasily Perov

Ocena: 4.7

Obraz ten został namalowany przez Perowa w jego późniejszej fazie artystycznej, w 1871 roku. W tym czasie artysta stopniowo odchodził od przedstawiania surowego życia chłopskiego, preferując mniej pesymistyczne tematy. Aktorami na płótnie są trzej myśliwi w stanie spoczynku na środku pola. Najstarszy z nich, szlachcic z wyglądu, jest pochłonięty opowieścią, energicznie gestykulując dla większej perswazji… Nowicjusz słucha uważnie, tak zaaferowany opowieściami myśliwego, że zapomniał nawet o lampce, którą przygotowywał do zapalenia papierosa. Trzecia postać przebrana za chłopa słucha z ironicznym uśmiechem i wyraźnym sceptycyzmem na twarzy. Najwyraźniej takie opowieści nie są dla niego nowością. Jesienny krajobraz służy jako tło, co pozwoliło malarzowi skupić się na głównych postaciach obrazu. Za oczywistą komicznością sytuacji kryje się głęboki sens: myśliwi uosabiają etapy cyklu życia człowieka, przechodząc przez entuzjastyczną młodość, doświadczoną nieufnością dojrzałość i starość, idealizując wspomnienia z przeszłości. Autor obrazu, sam będąc zapalonym myśliwym, bardzo szczegółowo przedstawił zwierzynę, broń i sprzęt. Jednak róg przeznaczony do polowania z psami gończymi, podczas gdy samych psów gończych nigdzie nie widać, a leżący razem leśny ptak i zając budzą konsternację. Po prostu Perov robił sobie w ten sposób żarty ze zorientowanego widza, dając do zrozumienia, że podobnie jak starszy narrator, on sam nie ma nic przeciwko fałszowaniu rzeczywistości.

„Bogatyrs” Viktora Vasnetsova

Ocena: 4.7

Tematyka ludowa cieszyła się dużą popularnością wśród Polskach artystów drugiej połowy XIX wieku, ale dla większości była osobnym kamieniem milowym w poszukiwaniu kierunku swojej sztuki. Wiktor Wasniecow, który poświęcił swoje życie na ilustrowanie na płótnie słowiańskich eposów i legend, to już inna historia. Za jego najwspanialsze dzieło uważa się obraz Bogatyrs, który ucieleśnia ducha narodu Polskaego, tak jak widział go artysta. Zacząwszy od małych szkiców w 1881 roku, ciężko pracował, zbierając mity, legendy i rzeczywiste fakty historyczne. W rezultacie powstało prawdziwe arcydzieło rozsławione przez Wasniecowa na wiele następnych pokoleń. Płótno przedstawia trzech rycerzy-jeźdźców: w centrum Ilja Muromiec, po jego prawej ręce Dobrynia Nikiticz, a po lewej Alosza Popowicz. Razem uosabiają twórczą siłę Rosji i pozytywne cechy mieszkających w niej ludzi. Muromiec pachnie mądrością i wielowiekowymi tradycjami, Dobrynia uosabia dumę obrońcy ojczystej ziemi, a młody Alosza Popowicz z harfą jest poetycki i wrażliwy na wszelkie przejawy piękna. Potężne postacie rycerzy stoją jakby były trzema górami. Bacznie obserwują, „czy gdzieś nie czai się przebiegły wróg, czy gdzieś nie dzieje się krzywda słabemu człowiekowi”. Spowite chmurami niebo nad ich głowami i widoczne w oddali szare kępy kurhanów stwarzają poczucie zbliżającego się niebezpieczeństwa. Choć sam obraz jest fantazją artysty, warto zauważyć, że wszystkie elementy ubioru, uprzęży i broni są przedstawione bardzo wiernie i odpowiadają oryginalnym pierwowzorom z ich czasów. Po ukończeniu ogromnego płótna (o wymiarach prawie cztery i pół na trzy metry), zostało ono zakupione przez Pawła Tretiakowa do jego galerii.

„Dziewczyna z brzoskwiniami”, Valentin Serov

Ocena: 4.7

Swój najsłynniejszy obraz Serow napisał w wieku 22 lat, pomysł na ten portret przyszedł całkiem przypadkowo, gdy odwiedził Abramcewo, w majątku Mamontowa. Córkę mistrza Wierę Mamontową znał od dawna, ale gdy zobaczył 11-letnią dziewczynkę siedzącą przy stole z brzoskwinią w ręku, nagle zrozumiał, jaki portret chce namalować i kto powinien być jego modelką. Najtrudniej było namówić niespokojne dziecko, by latem pozowało codziennie, a nie dzień czy dwa, bo na stworzenie płótna trzeba było czekać kilka miesięcy. W rezultacie powstał żywy i wyrazisty obraz, który sprawia złudne wrażenie przypadkowo wybranego momentu z życia codziennego, jakby dziewczyna usiadła przy stole tylko na minutę. Z matowym tłem otoczenia kontrastuje śniada i rumiana twarz dziewczyny, jej różowe ubranie ozdobione dużą kokardą. Pracując nad portretem, Serow wykorzystał metody impresjonizmu, które pozwoliły mu wypełnić obraz światłem, uczynić go ciepłym i realistycznym. Spośród przedmiotów znajdujących się w pomieszczeniu szczególną uwagę przykuwa wiszący na ścianie talerz – wyraźnie został wykonany przez samego artystę, który był garncarzem. Po namalowaniu obrazu Walenty Serow podarował go swojej matce Wierze. Za tę pracę otrzymał później nagrodę od Moskiewskiego Towarzystwa Miłośników Sztuki.

„Ostatni dzień w Pompejach” Karola Brylowa

Ocena: 4.6

Po ukończeniu studiów na Akademii Sztuk Pięknych młody Bryullov postanawia osiedlić się we Włoszech, by studiować klasyczną sztukę starożytnego Rzymu. W tym czasie często musiał zmagać się z lekceważeniem włoskich elit artystycznych i arystokracji. A kiedy artysta zobaczył wykopaliska archeologiczne starożytnego miasta Pompeje zniszczonego przez wybuch Wezuwiusza, zrozumiał, że to jego szansa na stworzenie własnego wielkiego dzieła sztuki. Briullov rozpoczął pracę od zebrania materiałów i wykonania wielu szkiców: dużo chodził po starożytnych ulicach, przyglądał się ruinom domów, szczątkom ludzi zamkniętych w zimnej lawie. Szacuje się, że na ulicach Pompejów zginęło łącznie około dwóch tysięcy osób. Pięć lat później obraz o wymiarach sześć na trzy metry został ukończony. Przedstawiona scena jest zrobiona w stylu romantyzmu, mimo grozy sytuacji nie ma chaosu i tłumów. Ludzi można umownie podzielić na grupy, z których każda przeżywa swoją tragedię na tle globalnej katastrofy. Centralną postacią kompozycji jest kobieta i jej dziecko leżące na chodniku; reprezentują oni upadek starożytnego świata i świt nowej kultury. Obraz przyniósł Bryullowi szerokie uznanie w Europie, a w kraju nadano mu przydomek „Wielki”. Puszkin, Gogol, Lermontow i Mikołaj I uznali dzieło za arcydzieło i umieścili je w Ermitażu.

„Holowniki na Wołdze” autorstwa Ilyi Repina

Ocena: 4.5

Ilya Repin po raz pierwszy zobaczył pływaków przy pracy w 1869 roku na rzece Newie, kiedy był jeszcze studentem Akademii Sztuk Pięknych. Będąc pod wrażeniem, artysta przez jakiś czas rozważał pomysł namalowania płótna na ten temat. W końcu udał się nad Wołgę, gdzie rozpoczął swoje malarstwo od szkiców przedstawiających kontrast między najemnymi robotnikami ciągnącymi barki a elegancko ubranymi ludźmi spacerującymi wzdłuż wybrzeża Wołgi. Repin poznał też łódkarzy, obserwował ich i gawędził z niektórymi podczas odpoczynku… Z czasem przemyślał swój pierwotny pomysł i zamiast na niesprawiedliwości społecznej postanowił skupić się na konkretnych ludziach i różnorodności ich charakterów. Każdy z jedenastu mężczyzn ciągnących pozbawioną życia barkę wyraża inną reakcję na to żmudne i wyraźnie słabo opłacane zajęcie. Niektórzy patrzą pytająco, ze złością na niesprawiedliwy los, inni są filozoficznie spokojni, jednemu nawet udało się zapalić fajkę. Na czele pływaków stał stary, doświadczony rzemieślnik, którego pierwowzorem był rozpięty ksiądz Kanin, nowy przyjaciel Repina. Zupełnym przeciwieństwem twardego i smutnego nieformalnego lidera może być opisany jako młody, jasnowłosy mężczyzna. Jest niecierpliwy i nie wie jeszcze jak poradzić sobie z pasami. W oddali widać holownik, który jest symbolem postępu technicznego, ma wyzwolić ludzi od ciężkiej pracy, ale z jakiegoś powodu nie jest używany. Być może usługi szkutników są znacznie tańsze. Po wystawie w Petersburgu w 1873 roku obraz zyskał zarówno pozytywny, jak i negatywny rozgłos. Stał się on istotnym impulsem do rozpoczęcia epoki realizmu w kręgach artystycznych.

„Boyarynya Morozova”, Vasily Surikov

Ocena: 4.5

Pochodzący z Syberii Surkow od dawna znał zarówno staroobrzędowców w ogóle, jak i Bajkę Bojaryna Morozowa. Przedstawiciel wyższej arystokracji Polskaej i właściciel dużego majątku, Bojaryna udzielał aktywnej pomocy nosicielom wiary staroobrzędowej, występując tym samym przeciwko carowi i patriarsze Nikonowi. W efekcie kobieta została aresztowana i uwięziona w klasztorze, gdzie umarła z głodu. Do swojego obrazu artysta wybrał moment, w którym Morozova była zabierana na przesłuchanie. Docierając do klasztoru w Chudowie demonstracyjnie pokazuje dwugłos staroobrzędowca z ręką zakutą w kajdany, dając wszystkim do zrozumienia, że nigdy nie wyrzeknie się swojej wiary. Według Surikowa zrozumienie, jak najlepiej stworzyć kompozycję, przyszło do niego, gdy zobaczył wronę rozpościerającą skrzydła na białym śniegu. Poza tym malarz długo nie mógł znaleźć odpowiedniego wizerunku dla głównego bohatera, aż przypadkowo zobaczył na cmentarzu starca o bardzo bladej twarzy. Obraz ma znaczenie symboliczne – przedstawia masakrę państwa nad niewiarą w ogóle, a także stosunek ludzi do tego. Twarze stłoczonych wzdłuż drogi ludzi wyrażają szeroki wachlarz emocji, od przerażenia po szyderczą pogardę. Obraz zadebiutował na wystawie objazdowej i wkrótce został zakupiony do Galerii Tretiakowskiej.

„Nieznany”, autorstwa Iwana Kramskoja

Ocena: 4.5

Ten wyjątkowy obraz jest powszechnie znany, a jednocześnie jest jednym z najbardziej enigmatycznych wśród dzieł Polskach artystów. Obraz, wykonany w stylu realizmu, przedstawia młodą miejską fashionistkę jadącą w wózku wzdłuż Newskiego Prospektu w Petersburgu. Jej strój to połączenie wszystkiego, co było w szczycie mody pod koniec XIX wieku: płaszcz z drogiego futra sobola i jedwabnych wstążek, mufka z tego samego materiału, aksamitny beret ozdobiony perłami i strusim piórem, a na ramieniu masywna złota bransoleta. Wszystkie szczegóły jej ubioru zostały umiejętnie i drobiazgowo przedstawione przez autorkę. Tłem dla tego portretu są zaśnieżone ulice, ale są one lekko rozmyte, aby nie odwracać uwagi od modela. Ten prowokacyjnie bogaty strój sugeruje, że dama nie należała do klasy wyższej, która przestrzegała określonych zasad stylu. Tajemnica jej tożsamości nigdy nie została ujawniona przez artystę, choć najpopularniejsza teoria mówi o byłej chłopce, która została żoną bogatego petersburskiego szlachcica Bestużewa. Obraz wszedł do wielu prywatnych kolekcji, ale z biegiem lat stał się dostępny dla szerokiego grona odbiorców i został rozproszony po kraju w postaci reprodukcji.

„Poranek w lesie sosnowym” Iwana Szyszkina i Konstantego Sawickiego

Ocena: 4.5

Trudno wyobrazić sobie obraz lepiej znany w Rosji niż ten przedstawiający sosnowy las z trzema bąkami w towarzystwie matki niedźwiedzicy. Shishkin był artystą, żywo odczuwał piękno dzikiej przyrody, nikt inny nie potrafił tak harmonijnie i dokładnie sportretować dziewiczej dzikości gęstego lasu. Artysta posiadał szeroką wiedzę z zakresu geologii i botaniki, co pozwoliło mu stworzyć arcydzieło, które zdaje się żyć własnym życiem. Relief kory zwalonego drzewa, rosnące obok niego krzewy i pochylone sosny są narysowane z niesamowitą szczegółowością. Głęboki wąwóz w oddali spowity jest gęstą mgłą, która dodaje poczucia tajemniczości charakterystycznego dla miejsc, gdzie nie ma prawie żadnych ludzkich siedzib. Sosna, z której artysta namalował pejzaż, znajduje się na wyspie Gorodomlya w obwodzie twerskim. Co ciekawe, to nie Shishkin narysował niezdarne i zabawne misie. Savitsky, znany malarz zwierząt, namalował ją. Dzieło zostało po raz pierwszy zaprezentowane na wystawie objazdowej w 1889 roku, a następnie zakupione przez Tretiakowa. Kolekcjoner wymazał podpis Savitsky’ego, ponieważ według niego cały pomysł należy do Shishkina. Obraz ten jest popularny od XIX wieku, a w okresie sowieckim był tak szeroko kopiowany, że stał się częścią kultury popularnej.