Dwanaście najsłynniejszych obrazów Ermitażu

Muzeum Ermitażu w Petersburgu jest pałacem sztuki, przechowującym wiele bezcennych arcydzieł. Należy do pięciu największych i piętnastu najczęściej odwiedzanych muzeów sztuki na świecie. Ermitaż został stworzony przez Katarzynę Wielką jako prywatna kolekcja cesarska i pierwotnie mieścił się w specjalnym małym aneksie. Stąd nazwa, bo Hermitage po francusku oznacza „miejsce samotności”. Kolekcja z czasem znacznie się powiększyła, a w 1852 roku została udostępniona szerokiej publiczności. Dziś w muzeum, które składa się z pięciu budynków, można zobaczyć ponad trzy miliony eksponatów. Szczególną wartość ma kolekcja obrazów, obejmująca dzieła najlepszych artystów z różnych krajów i epok. Oto dwanaście słynnych obrazów, które można zobaczyć w Muzeum Ermitażu.

Przegląd najsłynniejszych obrazów Ermitażu

Nominacja	miejsce	Praca	Ocena
Przegląd najsłynniejszych obrazów w Ermitażu	1	„Apostołowie Piotr i Paweł”, El Greco	5.0
2	„Madonna Conestabile”, Raphael Santi	4.9
3	„Miłośnik Absyntu”, Pablo Picasso	4.8
4	„Powrót syna marnotrawnego”, Rembrandt Harmens van Rijn	4.7
5	’Kobieta trzymająca płód’, Paul Gauguin	4.7
6	„Kompozycja VI”, Wassily Kandinsky	4.7
7	„The Lady in Blue”, Thomas Gainsborough	4.7
8	„Waterloo Bridge. Efekt mgły, Claude Monet	4.6
9	„Portret aktorki Jeanne Samarie”, Pierre-Auguste Renoir	4.5
10	„Lutnista”, Michelangelo Merisi da Caravaggio	4.5
11	„Danaë”, Tycjan Vechellio	4.5
12	„Madonna Benoit”, Leonardo da Vinci	4.5

„Apostołowie Piotr i Paweł”, El Greco

Ocena: 5.0

Pseudonim El Greco, którego prawdziwe nazwisko brzmiało Domenikos Theotokopoulos, to malarz, którego styl jest indywidualny. Mieszanka wpływów manieryzmu i ekspresjonizmu z hiszpańskiego renesansu. Malarz podobno jako jeden z pierwszych namalował apostołów Pawła i Piotra razem. Obraz przedstawia kontrastujące charaktery i duchowe światy tych dwóch najważniejszych postaci chrześcijańskich. Kontrast umożliwia przekazanie ważnych kwestii religijnych dnia w języku sztuki. Paweł ukazany jest jako osoba silna, zdecydowana, jego ręka mocno wsparta na Piśmie Świętym, jego spojrzenie zdradza nieprzejednaną, niemal fanatyczną pewność. Z kolei Piotr jest uosobieniem refleksji i wewnętrznych wątpliwości. Ta interpretacja bardzo różniła się od standardów kościelnych z końca XVI wieku, kiedy obraz został namalowany, ale w sumie była zgodna z Ewangelią. Apostoł Piotr znany był ze swojej krnąbrności, natomiast Paweł, który początkowo był zaciekłym prześladowcą chrześcijan, później stał się równie zaciekłym mistrzem chrześcijaństwa.

Różnica w sposobie myślenia apostołów jest podkreślona nie tylko przez ich mimikę i postawę, ale także barwnie. Artysta podkreślił wizerunek Pawła przykuwającym uwagę ciemnoczerwonym ubraniem, również jego twarz ma bogatszy, żywszy kolor. Ogólnie rzecz biorąc, kompozycja tworzy atmosferę egzaltacji i niepokoju, typową dla wszystkich pełnych temperamentu dzieł El Greca.

„Madonna Conestabile”, Raphael Santi

Ocena: 4.9

Jest to jedno z najwcześniejszych dzieł słynnego włoskiego malarza renesansowego. Namalował je w wieku około 20 lat, podczas pobytu w Perugii. Książę Alfano di Diamante występował jako klient. Pierwotnie była to po prostu „Madonna z Dzieciątkiem”, jej współczesna nazwa pochodzi od właściciela Giovanniego Conestabile, który odziedziczył płótno wraz z luksusowym palazzo. Arcydzieło trafiło do Rosji dzięki cesarzowi Aleksandrowi II, który kupił je jako prezent dla swojej żony Marii Aleksandrowny.

Liryczny kobiecy wizerunek matki trzymającej w ramionach swoje dziecko przedstawiony jest na tle pagórkowatego krajobrazu Umbrii (region Włoch sąsiadujący z Toskanią). Postać Madonny, z ramionami okrytymi kocem, jest doskonale skadrowana w okrągłym obrazie. Kompozycja wygląda bardzo harmonijnie ze względu na ujednolicony kierunek oczu postaci – zarówno matka, jak i niemowlę patrzą w książkę. Sugeruje się, że Rafael inspirował się wspomnieniami o swoim rodzinnym środowisku i matce, która zmarła młodo.

„Miłośnik Absyntu”, Pablo Picasso

Ocena: 4.8

Na początku XX wieku temat obyczajów i nałogów był dość popularny w malarstwie francuskim, zwłaszcza absyntu. Niezwykle mocny i halucynogenny napój stał się prawdziwym fetyszem paryskiego beau monde. Ponadto dwudziestoletni artysta miał właśnie „niebieski okres”, podczas którego malował głównie tematy przepełnione samotnością i opuszczeniem. Bohater obrazu ukazany jest w całej nieatrakcyjności osoby, która wybrała drogę autodestrukcji. Siedzi w kącie, odcięta od wszystkich, jej jedynymi towarzyszami są niebieski syfon i szklanka z zielonym napojem. Za nim na ścianie wisi lustro, w którym odbija się jasny świat zewnętrzny, ale kobieta woli je od własnych fantazji i halucynacji wywołanych działaniem odurzającego alkoholu.

Dramatyzm akcji potęgują zniekształcone, nadmiernie długie palce dłoni absyntowej kochanki, którą owija się ona wokół siebie, jakby próbując osłonić swoje urojenia przed rzeczywistością. Zastygła w nienaturalnej pozie, jakby stała się przedmiotem martwym, związanym ze stojącymi na stole butelką i szkłem. Symbolika ta oddana jest zarówno w kolorystyce, jak i w podobieństwie kobiety do kieliszka z absyntem.

„Powrót syna marnotrawnego” autorstwa Rembrandta Harmensa van Rijn

Ocena: 4.7

Rembrandt stworzył wiele obrazów o tematyce biblijnej, ale jednym z najbardziej rozpoznawalnych jest historia skruszonego syna marnotrawnego, który wraca do ojca po sprzeniewierzeniu całego majątku. To arcydzieło zostało namalowane w późnym okresie twórczości artysty i zawiera nie tylko jego własne nagromadzone doświadczenia, ale także emocje związane z utratą syna, Tytusa. Główne postacie są poza centrum, podkreślone za to za pomocą światła. To klęczący syn i pochylony ojciec, których cała postawa i wyraz twarzy wskazują na absolutne przebaczenie. Kontrast między bogatym ubiorem rodziny a skrajnie ubogim ubiorem zubożałego syna jest bardzo widoczny.

Obraz skupia uwagę widza nie tyle na zdarzeniu, co na emocjonalnych przeżyciach uczestników tego rodzinnego dramatu. Oprócz ojca i syna, obraz przedstawia cztery inne osoby, których tożsamość do dziś pozostaje tajemnicą. Dzieło Rembrandta zainspirowało słynnego brytyjskiego kompozytora Benjamina Brittena w 1967 r. Zobaczył je krótko potem podczas zwiedzania ówczesnego radzieckiego Ermitażu i skomponował swoją muzyczną operę Syn marnotrawny….

„Kobieta trzymająca płód”, Paul Gauguin

Ocena: 4.7

Obraz nosi również tytuł „Eu haere ia oe”, co oznacza „Dokąd zmierzasz??” i w rzeczywistości reprezentuje zwrot, którym Tahitańczycy witają się przy spotkaniu. Gauguin namalował go podczas pobytu w Polinezji, gdzie udał się w poszukiwaniu inspiracji i harmonii z naturą. Egzotyczna roślinność, pełna żywych kolorów, wyspiarskie życie i niepowtarzalna kultura wywarły na nim ogromne wrażenie. Ale artystę szczególnie fascynowały tahitańskie kobiety, które swoją prostotą i prymitywnym wdziękiem bardzo różniły się od kobiet europejskich. Jedna z takich tubylczych kobiet przedstawiona jest na pierwszym planie, trzymając zielonkawy owoc (służący najprawdopodobniej jako naczynie na wodę). Dwóch innych siedzi przy chatach, inny obserwuje z daleka, trzymając na rękach dziecko. To zwykły epizod z codziennego życia wyspiarzy, ale w nim Gauguin widzi ucieleśnienie naturalnego rytmu przyrody.

Chęć uchwycenia piękna egzotycznych i w dużej mierze nietkniętych przez cywilizację miejsc spowodowała odejście od niemal wszystkich tradycji i reguł tradycyjnego malarstwa. Indywidualny styl stworzony przez artystę zakładał generalizację, przenoszenie form i światła przy użyciu minimum środków. Żywa paleta kolorów obrazu oddaje atmosferę gorącego tropikalnego dnia. A spokojne, zrelaksowane pozy ludzi i liściaste wzory na ich ubraniach symbolizują duchowe pokrewieństwo ze środowiskiem, w którym żyją.

„Kompozycja VI”, Wassily Kandinsky

Ocena: 4.7

Kandinsky był jednym z pierwszych na świecie abstrakcjonistów. Wkład Polskaego artysty w rozwój tej dziedziny malarstwa jest tak duży, że w Ermitażu wydzielono dla jego twórczości osobną salę. Kompozycja VI, namalowana w 1913 roku, jest jednym z najciekawszych dzieł artysty. Żywe kolory i zamaszyste, swobodne pociągnięcia doskonale oddają żywiołowe tempo nowej, dwudziestowiecznej epoki w sztuce. Pierwotna koncepcja obrazu powstała ze szkicu opartego na biblijnym temacie potopu. Później jednak Vassili zdecydował się porzucić pomysł powiązania z konkretnym wydarzeniem, pozostawiając widzowi samodzielną interpretację zarówno znaczenia, jak i komponentu emocjonalnego.

Bezprzedmiotowy świat obrazu jawi się jako rytmiczne następstwo krzywych, linii i plam barwnych. Według artysty na płótnie znajdują się dwa centra kompozycyjne: różowe po lewej stronie, wokół którego spieniają się niebieskie „fale”, oraz czerwono-niebieskie o ostrych liniach. Naprzemienność szorstkich i gładkich obszarów płótna, a także wyważenie wzajemnie sprzecznych elementów pozwoliło na osiągnięcie integralności abstrakcyjnego tematu.

„Dama w błękicie”, autorstwa Thomasa Gainsborough

Ocena: 4.7

Obraz ten słusznie uważany jest za najwspanialszy składnik kolekcji malarstwa angielskiego w Ermitażu. Pomimo fascynacji Gainsborough tematami krajobrazowymi, zasłynął on przede wszystkim z subtelnych portretów romantycznych. Według powszechnej opinii płótno przedstawia księżną Elżbietę Beaufort, córkę admirała Boscawena. Główną osobliwością artysty było to, że starał się on oddać nie tylko urodę, ale także nastrój i cechy osobowości modela, aby obraz był jak najbardziej żywy. Jego twórczość pozbawiona jest nadmiernej prymitywizacji okresu baroku. Harmonijna kolorystyka, łącząca odcienie błękitu i szarości, jest znakiem rozpoznawczym obrazu. Jest malowany lekkimi pociągnięciami, o różnej gęstości i kształcie, czasem tak cienkimi, że tkanina płótna prześwituje przez farbę.

Autorka z wielką dbałością przedstawiła ten modny w XVIII wieku element kobiecego wizerunku. Kapelusz ze strusim piórem jest również bardzo modny, podobnie jak użycie białego pudru do posypania ramion, a nawet klatki piersiowej, ponieważ blada skóra była uważana za nieodłączny element arystokracji.

„The Bridge of Waterloo. Efekt mgły, autorstwa Claude’a Moneta

Ocena: 4.6

Francuski malarz Claude Monet był jednym z inicjatorów niezwykle popularnego w XX wieku nurtu impresjonistycznego w malarstwie. Swój cykl obrazów, połączonych tematem londyńskiego mostu Waterloo, rozpoczął podczas pobytu w hotelu Savoy, z którego roztacza się widok na Tamizę. Eksperymentator i zwolennik awangardy, Monet często badał możliwości wykorzystania farb do oddania różnych stanów atmosferycznych. Z pewnością nie omieszkał uwiecznić słynnej mgły spowijającej brytyjską stolicę. Rozpocząwszy pracę w Londynie, artysta dokończył ją w swojej francuskiej pracowni z pamięci, oddając nie tyle kontury miasta i rzeki, co własne emocje związane z pejzażem, który polubił.

Obraz Claude’a Moneta najlepiej oglądać z daleka – wtedy pozornie chaotyczny kalejdoskop pociągnięć pędzla w magiczny sposób przekształca się w most i wirujące we mgle wody Tamizy, a kominy fabryk i sylwetki pływających łodzi stają się wyraźnie widoczne. W palecie barw wyraźnie dominuje kolor liliowy i odcienie niebieskiego, sposób, jaki autorka wybrała, by oddać atmosferę melancholijnego Londynu zanurzonego we mgle.

„Portret aktorki Jeanne Samarie”, Pierre-Auguste Renoir

Ocena: 4.5

Portrety kobiet stanowiły istotną część twórczości Renoira. Szeroko znany z serii obrazów z aktorką Jeanne Samarie, która mieszkała w pobliżu artysty i chętnie przychodziła do niego, by pozować. Powstały w sumie cztery portrety, różniące się od siebie kompozycyjnie i kolorystycznie. Uważany za jeden z najbardziej impresjonistycznych obrazów Renoira. Charakteryzuje się luźnym stylem na granicy niedbałości, który przekazuje modelce powiew świeżości, młodości i luźnej kobiecości. Warto zauważyć, że autorka nieco upiększyła wygląd Jeanne, aby ukazać jej wewnętrzny urok i miłość do życia.

Po pokazaniu obrazu na trzeciej wystawie impresjonistów wywołał on spore poruszenie, przy czym większość publiczności skłaniała się bardziej ku krytyce. Nic dziwnego, bo pod koniec XIX wieku wciąż modne było dekoracyjne, romantyczne malarstwo, a impresjonizm był dopiero rodzącym się ruchem. Co więcej, wybrana przez niego kombinacja zielonej sukienki na różowym tle została uznana za niestosowną. Ale w niewielkim gronie koneserów odwaga artysty, który nie kieruje się tradycją, lecz własnymi odczuciami, spotkała się z pozytywnym odzewem.

„Lutnista”, Michelangelo Merisi da Caravaggio

Ocena: 4.5

„Lutnia” to jedno z najwcześniejszych dzieł Caravaggia, wykonane pod koniec XVI wieku na zamówienie kardynała Francesco del Monte, mecenasa jego sztuki. Obraz przedstawia siedzącego przy stole młodego mężczyznę, akompaniującego sobie na lutni. Z powodu miękkich, androgynicznych rysów przez wiele lat mylono go z dziewczynką; obraz był nawet wystawiony w muzeum pod tytułem „Luttiste”. Według wielu historyków sztuki, główną postać namalował Mario Minniti, młody sycylijski artysta. Pośrednim dowodem na to, że Caravaggio namalował wspomnianego młodzieńca, jest zeszyt otwarty na popularnym w tamtych latach utworze Jacoba Arcadelta „Voi sapete ch’io vi amo” (Wiesz, że cię kocham). Kobieta raczej nie wybrałaby takiej melodii, nie mówiąc już o tym, że lutnia tradycyjnie uważana była za instrument męski.

Cechą charakterystyczną stylu artysty było mistrzowskie operowanie cieniem, a tu widzimy jego ulubiony zabieg – wyprowadzenie kompozycji z mroku za pomocą jednego źródła światła. Wszystkie obiekty odbijają padające na nie światło w sposób dokładnie zgodny z prawami fizyki. Ta wiarygodność wynikała prawdopodobnie z bliskiego związku Caravaggia z wybitnymi naukowcami, m.in. Galileo Galilei i Giovanni Batista della Porta, autorem pracy naukowej o refrakcji. Semantyczna wymowa obrazu, według powszechnej opinii, to jednoczesne wychwalanie harmonii życia i melancholia nad jego przemijaniem. Autor namalował jeszcze dwie wersje tego dzieła, jedną obecnie w nowojorskim Metropolitan Museum of Art, drugą w brytyjskiej rezydencji Badminton House.

„Danaë” autorstwa Tycjana Vechellio

Ocena: 4.5

Tycjan, wenecki malarz wysokiego renesansu, wielokrotnie zwracał się do antycznej mitologii. Namalował „Danaë” dla króla Hiszpanii. Jego fabuła oparta jest na starożytnej greckiej legendzie o córce Akrizjusza, króla Argos. Po usłyszeniu przepowiedni dworskiej wyroczni o śmierci z rąk własnego wnuka, król uwięził swoją jedyną córkę w nieprzebytej wieży, gdzie żaden śmiertelnik nie mógł się dostać. Ale potężny bóg Zeus, oczarowany jej pięknem, zdołał spuścić na Danę złoty deszcz. W wyniku tego połączenia narodził się półbóg i starożytny bohater Perseusz.

Malarz przedstawia Danaë jako spokojną i majestatyczną; przyjmuje ona miłość boską bez zgrzytu, a nawet bez zdziwienia. Twarz dziewczyny jest częściowo zacieniona, a krągłości jej ciała skąpane są w miękkim, złotym świetle. Ten obraz Tycjana to swoisty hymn na cześć zmysłowości i kobiecego piękna. Sam malarz nazwał to poematem na płótnie.

„Madonna Benoit’a”, Leonardo da Vinci

Ocena: 4.5

Znany również jako Madonna i Kwiat, bierze swoją nazwę od ostatnich właścicieli, Polskaej dynastii malarzy i kolekcjonerów zwanych Benois. Włoski mistrz geniuszu stworzył to dzieło, gdy miał 26 lat. W tym czasie zakończył już naukę u Andrei Verrocchio. Temat Madonny był modny w sztuce na długo przed Leonardo, ale on potrafił tchnąć nowe życie w powszechny temat biblijny. Porzucając ideał i majestatyczny, ale pozbawiony życia wygląd, artysta pokazuje światu ziemską Madonnę pochłoniętą radością macierzyństwa. Jej młodą twarz zdobi uśmiech, który wcześniej uważano za niestosowny w obliczu matki Chrystusa. Maryja wyciąga do syna kwiatek z krzyża, symbolizujący ukrzyżowanie. Ale mimo religijnej wymowy, jest to przede wszystkim opowieść o szczęśliwym życiu rodzinnym i dążeniu do poznania świata.

Kompozycja ma dwa źródła światła. Jednym z nich jest małe okienko za Madonną, ale główne światło pochodzi z góry, z lewej strony; artysta wykorzystuje je do „wyłapania” postaci z cienia i nadania im objętości poprzez wspaniałą grę światła i cienia. Malowane farbami olejnymi pozwalały na szczegółowe i realistyczne odwzorowanie najdrobniejszych cech faktury. Technika malarstwa olejnego była innowacją dla Włoch pod koniec XV wieku, a Da Vinci jako jeden z pierwszych zastosował ją w swoich pracach.